Do castelo erótico de Grace Jones aos robôs humanoides do Kraftwerk, esses clipes pré-MTV ajudaram a definir o formato.
O formato do videoclipe proliferou e amadureceu durante os anos 80 e 90, mas os músicos e cineastas desenvolveram sua forma básica e exploraram seus limites criativos nos anos 70, um tempo de tumulto e inovação no mundo da música, desde a ascensão do rock de arena e progressivo, o surgimento da discoteca, música eletrônica, Punk e o movimento New Wave. Entre as centenas de vídeos criados durante aquela década, o site Pitchfork selecionou os 25 que melhor representam as possibilidades, excentricidades e influência do formato. Confira:
25. The Rolling Stones: “It’s Only Rock ‘N’ Roll (But I Like It)” (1974)
Michael Lindsay-Hogg (que filmou clipes à frente de seu tempo; “2000 Light Years from Home”e “Jumpin ‘Jack Flash” dos Rolling Stones, bem como o documentário sobre o fim dos Beatles, Let It Be), utilizou uma lente grande-angular para filmar a banda de Mick Jagger em todos os ângulos possíveis. A inovação visual foi superestimada, mas o estilo simples de Hogg, propositalmente ou não, reapareceu para definir uma estética visual importante para a década de 90: os clipes com as lentes olho-de-peixe de Hype Williams e Beastie Boys.
24. X-Ray Spex: “Identity” (1978)
O Ray-Ray Spex estava entre as bandas mais elegantes e musicalmente inovadoras da primeira onda de bandas de punk britânicas graças a Marianne Joan Elliott-Said, também conhecida como Poly Styrene, a rainha somali-britânica de 21 anos de idade, que ainda usava pulseiras quando a estreia da banda, o álbum Germfree Adolescents, foi lançado em 1978.
O âmbito político de Styrene foi amplamente orientado e bem divulgado, e “Identity” carregava um tom vigoroso sobre a representação das mulheres. “Identidade / É a crise / Não percebe?”. No clipe promocional da música, ela está vestida como um fã de música pop dos anos 50 e se apresenta com sua banda em um antigo armazém cheio de manequins de lojas de departamento abandonados.
Foi dito que “Identidade” é a única música do disco que não lida explicitamente com temas anti-consumistas, mas as próprias letras de Styrene na música – “Você se vê / Na tela da TV / Você se vê na revista / quando você se vê / isso faz você gritar? “- ressalta que os perigos do consumismo não acabam no supermercado, mas se estendem às imagens que cercam as mulheres jovens. Nesta luz, a mera presença de Styrene neste videoclipe é um ato político, oferecendo um novo modelo de aspiração.
23. Yellow Magic Orchestra: “Tong Poo” (1979)
A Yellow Magic Orchestra se formou em 1978 como um grupo de músicos japoneses que criavam músicas que rapidamente estabeleceram um precedente significativo para o eletro-pop no Japão e no mundo (synth-pop, techno e house devem as cuecas a esses caras).
A canção “Tong Poo” contava com ideias interessantes vindas do lendário Ryuichi Sakamoto – um dos co-fundadores do YMO – retiradas de discos de músicos chineses tocando instrumentos americanos. O vídeo mostra o vislumbre do futuro tecnológico: três homens vestidos elegantemente tocando de instrumentos de ponta, dividindo a tela com longas cenas em tela cheia dos primeiros videogames. O único contemporâneo musical do grupo era Kraftwerk, e enquanto o quarteto alemão se retratava como robôs construtivistas soviéticos, o YMO se transformou em modelos de tecnologia de ponta.
22. Bee Gees: “Lonely Days” (1970)
O curta-metragem produzido para promover a música – o primeiro single lançado depois que a banda se reuniu com Robin Gibb após ele ter se afastado temporariamente – oferece um deslumbre da riqueza e fama do trio mais famoso do mundo. No entanto, tanto luxo e poder não os torna completamente realizados. No final, os três homens se encontram em um campo, realizam um ritual com as mãos e, em seguida seguem em seus carros para então concluirmos: quem precisa de namoradas quando se tem irmãos incríveis para compartilhar os melhores momentos da vida?
21. Blondie: “Heart of Glass” (1978)
Beyoncé pode ter assumido a posse do conceito “álbum visual” graças a seus recentes lançamentos pioneiros, mas a idéia original remonta a 1979, quando Blondie trabalhou com o diretor David Mallet para produzir vídeos para cada faixa de seu quarto LP, Eat to the Beat. Apesar disso, nenhum dos vídeos de Eat se tornou tão icônico como o que Mallett produziu para “Heart of Glass”, do disco clássico de 1978, Parallel Lines.
O clipe para a canção que fez do Blondie um fenômeno apresenta a estonteante Debbie Harry, vestida com uma sola alça, vestindo um ousado tomara que caia cinza do designer de moda Stephen Sprouse. Há muitas cenas da banda tocando na pista de discoteca, mas a imagem mais impressionante é a de Harry, estóica no primeiro plano de abertura.
20. Grace Jones: “Do or Die” (1978)
Por alguns meses no final de 1978, a rede de TV italiana Rai 2 exibiu um estranho programa ao vivo chamado Stryx, que apresentava uma variedade de performances com temas medievais assustadores. As apresentações eram bastante coreografadas e os sets generosamente decorados com um estranhos artefatos visuais que provavelmente inspiraram a era da MTV. Ícones da disco como Amanda Lear e Asha Puthli lançaram seus próprios episódios, assim como a cantora brasileira Gal Costa, mas os clipes de Grace Jones de seu segundo álbum Fame são os melhores.
Claro, a performance do Stryx na verdade não se qualifica como um videoclipe no sentido mais estrito do termo, mas o passeio de Jones em um vestido e um bustier através de um castelo esquisito com objetos de vela de mão humana pode ser considerado pelo viés da bizarrice visual que seria tendência nos anos 80 (veja também seus clipes para “Anema e Core” e “Fame” do mesmo episódio). “Stryx” foi rapidamente cancelado depois que a rede recebeu reclamações sobre o conteúdo racista.
19. Prince: “I Wanna Be Your Lover” (1979)
A famosa entrevista do Prince com Dick Clark, depois de tocar “I Wanna Be Your Lover” no American Bandstand é um dos momentos mais “sublimes” do pop da década de 70. Após a repercussão, a Warner Bros. acabou financiando dois clipes para “Lover”. O que apresentou Prince executando a música com sua banda foi descartado por razões pouco claras.
O clipe que se tornou oficial mostra um Prince andrógino de 21 anos com um olhar hipnótico e um estilo visual único da época: o cabelo emplumado, o brinco de aro e rebolados característicos dos dançarinos na época. Prince, claro, se transformaria num superlotar na próxima década, mas “Lover” se destaca como uma simples vitrine de um virtuoso músico.
18. Gloria Gaynor: “I Will Survive” (1979)
Provavelmente, o hit disco definitivo, “I Will Survive” foi escrita como um beijo desafiador para um ex-amante, embora seu coro tenha sido abraçado pela comunidade LGBT após a epidemia de AIDS. Impulsionado por um arranjo liso e o poder vocal de Gloria Gaynor, “Survive” alcançou o topo da Billboard Hot 100 e gerou um vídeo icônico, que seria exibido em monitores de televisão em discotecas ao redor do mundo.
Gravado na discoteca Xenon de Nova York, o único acompanhamento visual de Gaynor no clipe é um patinador do grupo The Village Wizards. O que é mais notável no vídeo, no entanto, é a solidão de Gaynor, fotografada isoladamente contra um pano de fundo negro. A cultura disco tardia dos anos 70 é muitas vezes entendida como um espaço tribal, um sonho utópico da comunidade. O vídeo de Gaynor pode complementar esse ideal, servindo também como escape glorioso do sentimento de solidão em meio a uma multidão elétrica de estranhos.
17. The Alan Parsons Project: “I Wouldn’t Want to Be Like You” (1977)
O Projeto Alan Parsons ficou conhecido por suas obras intelectuais – o primeiro LP da banda, The Tales of Mystery and Imagination de 1976, misturava Edgar Allan Poe com Orson Welles. Para o segundo de 1977, a inspiração foi a trilogia I Robot de Isaac Asimov. A faixa disco “I Wouldn’t Want to Be Like You“, alcançou o Top 40.
No vídeo da música, dirigido pelo grupo Rock Flicks que também produziu “We Will Rock You” do Queen, Parsons desencaixa um cyborg assustador e mumificado, achado enquanto o músico vasculhava arquivos. Enquanto a criatura é monitorada à medida, nos é apresentado uma paisagem urbana cinza, impulsionada principalmente por cortes de cenas que sincronizam com a música. Em um ponto, o clipe se transforma numa parábola pitoresca sobre a inteligência artificial, faz fronteira com a anarquismo – quando o estranho arranca uma flor sem motivos aparentes – e uma vez que Parsons consegue tocar em seu rosto, o robô imediatamente se funde em uma pilha de fios.
16. The Boomtown Rats: “I Don’t Like Mondays” (1979)
A história de origem mórbida do segundo single da banda britânica Boomtown Rats é tão miserável agora quanto então: quando estava em turnê nos Estados Unidos em janeiro de 1979, o líder Bob Geldof leu sobre um tiroteio na escola de San Diego que matou dois e feriu nove. Quando perguntaram o porque, a atiradora Brenda Ann Spencer afirmou: “Eu não gosto de segundas-feiras”. A música de Geldof transformou a história em uma canção macabra com ironia – o que ele chamou de “canção perfeita para ilustrar” o ato sem sentido de Spencer.
O vídeo de David Mallet mistura cenas hiper-estilizadas: uma escola cheia de estudantes em forma de zumbi transpõe-se rapidamente através de um aparelho de TV para uma cena de sala de estar que sugere o tédio da vida da família tradicional inglesa. “I don´t Like Mondays” se tornou muito popular na MTV anos depois, e Mallet tornou-se um dos diretores de videoclipes mais procurados.
15. ABBA: “Take a Chance on Me” (1977)
ABBA foi a primeira estrela do pop da música. Em meados dos anos 70, quando apenas alguns grupos faziam vídeos, o quarteto sueco fazia muitos deles: um total de 18 entre 1974 e 1979, um ritmo que os alinha mais perto das maiores estrelas da MTV dos anos 80 e 90. Tudo faz sentido, já que a carreira da ABBA começou na TV, com a vitória de “Waterloo” na competição Eurovision de 1974.
“Take a Chance on Me” veio depois que “Dancing Queen” os impulsionou para o estrelato global. A alegria presente no vídeo, como na sua música, envolve idéias simples. Então, no vídeo de “Chance”, Frida, Agnetha, Benny e Bjorn estão sentadas em um estúdio branco e parecem se divertir muito. Com uma música tão boa, não há necessidade de mais nada.
14. Joni Mitchell: “Big Yellow Taxi” (1971)
Ladies of the Canyon foi o auge criativo e comercial de Joni Mitchell, graças em parte a “Big Yellow Taxi”, sua única música pop honesta. A mensagem ecológica é simples e atemporal, mas seu vídeo animado é muito mais enraizado em sua era.
Produzido pelo lendário animador John Wilson (A Dama e o Vagabundo, Peter Pan) para uma série do “The Sonny & Cher Comedy Hour” no início dos anos 70, o vídeo de “Taxi” bebe da influencia dos desenhos de Hanna-Barbera e prediz o estilo “maníaco” de animações futuras, como Schoolhouse Rock! e Fat Albert and the Cosby Kids.
O clipe, como os outros que Wilson produzia para o show de variedades, era menos sobre a promoção das músicas e mais uma apresentação criativa de sua própria arte visual. Narrativamente, Wilson retrata as letras da música como uma história sobre a declínio da humanidade, com Adão e Eva graças as várias atividades industriais, do desmatamento em massa à urbanização.
13. Giorgio Moroder: “From Here to Eternity” (1977)
O importante legado musical de do produtor italiano Giorgio Moroder é a ponte sonora direta entre a música eletrônica europeia dos anos 70 e a música afro-americana. O clipe “Eternity” o posiciona onde ele está mais confortável: cercado de sintetizadores – o equivalente eletrônico de um vídeo de rock mostrando um guitarrista conectado a um amplificador. Em uma época em que sintetizadores e aparelhos eletrônicos de criação de música ainda não eram propagados na música pop, vídeos como “Eternity” eram uma propaganda perfeita.
12. Sylvester: “You Make Me Feel (Mighty Real)” (1979)
Depois de gravar dois álbuns de R&B, Sylvester James mudou para a discoteca. Não porque ele amava a música disco mas porque sabia que sua abordagem teatral prosperaria nesse formato.
Seu hit de 1979 “You Make Me Feel (Mighty Real)” é uma parte significativa da cultura popular americana, não só por pelo sucesso no Top 40 ou sua influência formativa na discoteca, Mas é o abraço da homossexualidade negra como uma identidade autêntica assim como a heterossexualidade dos artistas de R&B ou do rock. No vídeo, Sylvester move-se através de uma discoteca com verve e propósito, colocando uma aparência diferente para cada seção da música. No entanto o aspecto mais atraente do clipe é o olhar de Sylvester. Ele pode não estar completamente à vontade no formato do video de música, mas ele compensa olhando diretamente para a câmera, como se estivesse desafiando o espectador a questionar sua legitimidade.
11. David Bowie: “Life on Mars?” (1973)
Dadas circunstâncias diferentes, é fácil imaginar um universo paralelo onde David Bowie inventou a linguagem visual dos vídeos de música nos anos 70. Ele era muito mais um artista de palco, e os clipes que ele fez eram todos muito simples até o clássico de David Mallet em 1980 “Ashes to Ashes“. Mesmo assim, “Life On Mars” é o melhor da década de Bowie, devido em termos à simplicidade da obra.
Na sequência do sucesso estrondoso de Ziggy Stardust, a RCA correu para relançar material anterior, incluindo “Mars”, originalmente uma faixa de álbum da Hunky Dory de 1971, e disparou nas paradas britânicas. O clipe foi filmado no palco do Earl’s Court, em Londres, pelo famoso fotógrafo Mick Rock. Apesar de “Mars” ter sido lançado anteriormente a era Ziggy, Bowie deixa ser levado período final do glam-rock. E ele parecia fenomenal, a propósito: o terno azul-gelo projetado pelo designer e protegido de Bowie, Freddie Burretti, equilibrado pela forte sombra nos olhos – que enfatizam seu olhar alienígena – e contrastam com seu cabelo vermelho chocante, gravado por um fundo branco contrastante. É simples, mas incrivelmente eficaz, um elemento importante no extenso catálogo da iconografia de Bowie.
10. The Residents: “Third Reich & Roll” (1976)
Com inteligência e inventividade eletrônica, The Residents fundiu uma tradição de narrativa do sul com a contracultura excêntrica de São Francisco. Este video musical para a canção “The Third Reich ‘n’ Roll”, feito antes da estréia da MTV, inventivamente, música parodia videos músicas e comerciais de TV dos anos 60, bem como o cinema expressionista alemão dos anos 20 de forma muito bizarra.
09. Hall & Oates: “She’s Gone” (1973)
Este é o primeiro videoclipe que nunca foi lançado oficialmente. John Oates disse que a banda foi convidada a sincronizar os lábios em “She’s Gone” para uma apresentação no programa American Bandstand em New Jersey, mas como “eles não queriam fingir cantar” a música, eles gravaram este bizarro clipe em um estúdio de Filadélfia e emergiram com este clipe promocional que nunca foi exibido. (Oates afirmou que ele vazou no YouTube em algum momento.)
08. George Harrison: “This Song” (1976)
Em 8 de setembro de 1976, George Harrison foi considerado culpado por “subconscientemente plagiar” a melodia do sucesso de 1962 de Chiffons “He´s So Fine” em seu single de sucesso “My Sweet Lord” de 1970, custando-lhe meio milhão de dólares. Harrison expressou seus sentimentos da maneira mais corajosa possível.
“This Song”, o primeiro single do LP Thirty-Three and 1/3, é auto-reflexivo e satírico, lançando a idéia de uma música pop como objeto legal. O vídeo transforma um tribunal em um concerto, com um juiz na bateria, um oficial de justiça no baixo, um estenógrafo no piano e Ronnie Wood como jurado. Harrison perdeu o processo, mas pelo menos ele teve a última palavra: “This Song” estreou durante o episódio de “Saturday Night Live” de novembro de 1976 no qual ele era o convidado musical.
07. XTC: “Making Plans for Nigel” (1979)
A Austrália estava muito à frente dos EUA e do Reino Unido no desenvolvimento programas de TV exclusivos de videoclipes. Em meados dos anos 70, havia dois programas de videoclipe que passavam por lá: Countdown da ABC e Sounds Unlimited do Channel Seven, com clipes feitos para bandas locais, incluindo AC/DC. Quando Unlimited estava com pouco conteúdo, um jovem produtor chamado Russell Mulcahy foi convidado a gravar alguns clipes. Mulcahy passou a se tornar o primeiro diretor de peso ao filmar o primeiro vídeo que a MTV transmitiu, “Video Killed The Radio Star“, juntamente com “Rio” e “Hungry Like the Wolf” do Duran Duran , “Bette Davis Eyes” de Kim Carnes, “True” de Spandau Ballet e o épico “Total Eclipse of the Heart” da Bonnie Tyler.
Neste clipe divertido de 1979, promovendo o primeiro single do álbum inovador do XTC, Drums and Wires, é fácil ver Mulcahy traçando os contornos do estilo visual do video pop da primeira metade dos anos 80: movimento de câmera sem paralelo, ângulos inclinados, zooms, overacting. Narrativamente, Mulcahy narra a luta de um jovem paciente mental relegado a uma sala de borracha para uma reeducação no estilo Laranja Mecanica encontra Um Estranho no Ninho. O enfermeiro é um palhaço psicótico, interpretado por Andy Partridge constantemente aparece na frente da câmera, enquanto uma tela de vídeo mostra o XTC na parede. É um clipe esperto, super-eficiente e incrivelmente hiperativo – aqui estão as forças motrizes não só da primeira década da MTV, mas da ampla cultura pop dos anos 80 que o trabalho de Mulcahy ajudou a inspirar.
06. Michael Jackson: “Rock With You” (1979)
Quando Michael Jackson conheceu Quincy Jones e começou a freqüentar a famosa discoteca Studio 54, os sons que ele ouviu lá inspiraram sua estreia solo, Off the Wall, e Jackson citou a emoção do escapismo na multidão carregada de celebridades do clube decadente, comparando-o com filmes de ficção científica onde você paga 2 dólares para está em outro planeta. Não mais na realidade.
O video para “Rock With You”, filmado pelo veterano produtor de TV, Bruce Gowers, com um orçamento de $3000, transforma Jackson em um estrangeiro solitário que sai da Terra. Os colares largos, as macacões de poliéster, o penteado afro e os quatro irmãos que o rodeavam deram lugar a uma nova imagem: Jackson dançava com aparente abandono em um terno brilhante e lantejoulas de prata, com um lazer de luzes. Esse clipe foi o primeiro vislumbre da surpreendente arte de performance cinestésica que Michael desenvolveria através de seu trabalho visual subseqüente. Oito anos depois, ele fez um video implorando a imprensa para “Leave Me Alone“, aqui está ele, dançando sozinho. Era feliz e não sabia.
05. Kraftwerk: “The Robots” (1978)
Três anos após uma edição de três minutos de “Autobahn” atingir o Top 30 nos EUA, em 1978, The Man-Machine foi a primeira tentativa do Kraftwerk de se apresentar como uma “banda”, com uma imagem totalmente projetada e músicas reais estruturadas . Este é Kraftwerk, é claro, e assim no clipe de “The Robots”, os humanos usam robôs que realizam trabalho humano. Em um nível mais profundo, a idéia para a estética dos “robôs” combina uma ideologia do cyborg com uma estética hipermodernista.
O estilo icônico em exibição no vídeo espelha o design lendário da capa de Karl Klefisch, com as camisas vermelhas e os laços negros da banda abraçando a dureza do construtivismo soviético dos anos 20, que celebrou o trabalhador em meio à rápida industrialização. Embora Kraftwerk se movesse firmemente para a era da informação com o seu próximo lançamento, o fator “homem-máquina” nascido do fascínio do quarteto com uma Europa do leste recentemente industrializada permaneceria a imagem definitiva do grupo bem no século 21, inspirando alguns outros inovadores ao longo do caminho.
04. Elvis Costello: “Accidents Will Happen” (1979)
Elvis Costello & The Attractions produziram clipes excelentes paraíso singles dos álbuns Armed Forces e This Year´s Model, mas “Accidents Will Happen” se destaca. Um clipe de ponta feito pelos pioneiros do vídeo Annabel Jankel e Rocky Morton dos Cucumber Studios, usa a estética de arte-pop e sugere um amor pelo pós-modernismo italiano que havia florescido na moda e design no final dos anos 70.
É uma pena que a MTV ainda não fosse lançada na época para torna-lo justamente popular, mas “Accidents Will Happen” pertence claramente à categoria de clipes que quebraram as barreiras do formato assim como “Take on Me” e o “Money for Nothing” de Steve Barron. O vídeo maníaco “Sledgehammer” de Stephen R. Johnson, “Fell in Love With a Girl” de Michel Gondry, e “Feel Good, Inc.“, do Gorillaz e Jamie Hewlett. Pela primeira vez, um video musical não só complementava a música, como também inventou seu próprio estilo visual ao longo do caminho.
03. Kate Bush: “Wuthering Heights” (1979)
Uma música com dois vídeos impressionantes – um para o mercado britânico e outro para o americano – Kate Bush escreveu “Wuthering Heights”, não pensando na obra de Emily Bronte, mas influenciada pela adaptação da BBC para a TV.
O vídeo britânico dirigido por Keith MacMillan, no entanto, faz um trabalho infinitamente melhor por representar de forma mais impactante sua música inovadora. Após estudar artes cênicas e mímica com o ator inglês Lindsay Kemp (que também trabalhou com David Bowie), seu aprendizado se refletia na coreografia incrivelmente expressiva do vídeo, uma combinação de balé, mímica e teatro.
MacMillan acrescenta efeitos visuais para multiplicar Bush ou enfatizar seus movimentos. Caso contrário, seus movimentos fluidos e expressões faciais não teriam o mesmo efeito. Bush continuaria a fazer vários vídeos excelentes, mas “Wuthering Heights” permanece único por sua simplicidade na era pré-MTV e grande revelação de um talento musical sem igual na história da música.
02. Devo: “The Truth About De-Evolution” (1976)
O músico Mark Mothersbaugh conheceu o estudante de arte Gerry Casale, formou a banda Devo – mais um movimento de arte alinhado a guitarra violenta e minimalista – e escreveu uma música chamada “Jocko Homo”. O título da canção derivou de um antigo panfleto distribuído por um pregador de Ohio nos anos 1920, que discutia o fato de acrescentar um “d” à frente da palavra “evolution”. Alguns anos depois, “Jocko” foi a peça central de um curta batizado de In the Beginning Was the End: The Truth About De-Evolution.
Filmado pelo colega Chuck Statler, “The Truth” Na verdade, foi um manifesto mais convincente que uma banda já criou. O filme de Statler ganhou o primeiro prêmio no Festival de Filmes Ann Arbor de 1977, dando ao Devo a admiração de Brian Eno, que produziria seu LP de estréia no ano seguinte.
01. Queen: “Bohemian Rhapsody” (1975)
O Queen sabia que “Bohemian Rhapysody” era especial porque era a peça principal do disco A Night At The Opera e precisava de um tratamento audiovisual impactante. Eles acertaram em cheio e produziram, talvez sem intenção o primeiro grande videoclipe da história do formato audiovisual.
Quando o Queen e o diretor Bruce Gowers decidiram fazer um videoclipe para o single, em 31 de outubro de 1975, eles não consideravam um projeto inovador. Na verdade, eles nem sequer se importariam em fazê-lo se a música não fosse tão complexa, já que não havia maneira de tocá-lo fielmente em um estúdio de televisão, pelo menos, não com todos os overdubs e vozes.
Por outro lado, um vídeo permitiria que eles apresentassem a música em todo o esplendor da ópera. E também um dos motivos que levaram o Queen a fazê-lo foi que durante a longa turnê que sucederia o lançamento, eles não teriam tempo suficiente para se apresentar em vários programas de TV ao vivo, como o Top of The Pops, onde foi exibido pela primeira vez. Então um vídeo como este cairia como luva. Claro, uma música ambiciosa exigiu um vídeo ambicioso e foi isso – juntamente com o enorme sucesso do proprio single, que lhe deu uma repercução sem precedentes – que fez ele se destacar do outros vídeos promocionais que eram produzidos na época.
O resultado final foi um vídeo promocional revolucionário que acabou se tornando uma excelente ferramenta usada por todas as bandas. Nos anos 80, os clipes se tornariam produto de massa cada vez mais elaborados, mas “Bohemian” será lembrado como o ponta-pé inicial. Embora em termos históricos, não fosse.
Quando “Rhapsody” ressurgiu na cena de abertura do Wayne’s World no início de 1992, o vídeo ganhou uma segunda vida inesperada. Para encontrar sua popularidade resurgente, Queen re-lançou o single com um novo vídeo que uniu o original do Gowers com clipes do filme. A MTV tinha apenas mais de 10 anos nesse ponto, mas o impacto da rede na iconografia do pop estava profundamente enraizado. E aqui estava o vídeo “Rhapsody” mais uma vez, sendo visto pela primeira vez por uma geração de novos fãs, contextualizado como a própria gênese da rede.
